PREMIO OSCAR A CORTOMETRAJE ANIMADO (1932)

 

Advertencia: Para mantener uniformidad en los títulos de los cortometrajes que lleguen a ser mencionados en esta serie de artículos, estarán escritos en su nombre al inglés.

La (momentánea) regularidad de publicación de artículos en los meses se debe a que mi tiempo se ha asentado, finalmente puedo administrarme mejor, lo que ha conllevando a que reflexione acerca del blog en su contenido, alcance y expectativas. Respecto al primero, revisando mi lista de ideas e identificando aquello de lo que quiero aprender y ser reconocido, está claro que mi contenido se compone de temáticas que me interesa escribir, sin estar enfrascadas a un sólo contexto o medio.

Si bien la mayoría es y será anime, de vez en cuando tendremos una novela visual, el ocasional manga, la infrecuente novela ligera, sin olvidarnos de los artículos un poco más “ardientes”, algún día será mi regreso a las películas live action y a partir del presente, habrá una serie establecida para la animación occidental (en principio, únicamente estadounidense).

No soy ningún experto en animación occidental, esté será un viaje de aprendizaje para mi y espero que sea de interés para vos lector, sin embargo, otra aclaración. Si bien tenía anotada desde hace un tiempo, la idea de diseccionar por entrega a las nominadas me intimidaba (todavía lo hace), no sólo por su aspecto técnico e histórico, también por lo inmensamente ambicioso de la tarea. La categoría de cortometraje animado se remonta hasta la quinta edición de los Premios Oscar, es decir, hay un total de 91 premiados en la fecha de escrito de este artículo. Si cada edición tuviera 3 nominadas, como ocurrió con las primeras premiaciones, tendríamos 273 cortometrajes, pero las nominaciones han variado entre 3, 5, y 10, es decir, el total debe rondar los 400.

Una cifra descomunal correspondiente a un proyecto titánico, cuyas entregas no tengo planificadas para ser frecuentes o periódicas, de hecho, este comienzo es porque me no terminaba de decidir cuál debería ser el próximo artículo. Y he decidido tratar esta serie de tal manera, la verán de vez en cuándo, seguramente cuando esté haciendo tiempo mientras termino, leo, analizo otra obra.

Dudo terminarla algún día pero igual que blogs y canales de youtube en medio del océano de información, donde accedes y das cuenta de esos especiales sin completar abandonados en el tiempo, espero que algún día mi blog y esta serie (aplica para cualquiera de las otras, sólo que aquellas sí creo terminarlas algún día) sea de utilidad para alguien.

Por supuesto, tienen mi compromiso para informarme y explayarme, nuevamente, no soy conocedor en animación occidental, más nadie comienza sabiendo, sólo a través de leer a quienes nos precedieron y analizando sus escritos formamos nuestro conocimiento. De ahí que agradeceré cualquier apunte, corrección u omisión que consideres importante.

La motivación para esta serie es por la facilidad que permite para aprender sobre la historia animada occidental a través de dar puntos concretos de observación e investigación, sin embargo, tal como las películas ganadoras a mejor película, no debería considerarse, bajo ninguna circunstancia, de exponentes definitivos sobre los mejores cortometrajes de la historia o calificativos similares. Debió llegar 1952 para nominar a alguien fuera de los Estados Unidos y hasta 1962 ganó una mujer, sólo en los últimos años el premio se ha expandido entre géneros y naciones, por ende, tengamos presente que los primeros 20 años son intrínsecos a la industria de animación Estadounidense.

En cada entrega realizaré una profundización (limitada) histórica y técnica a los nominados, escribiré de su trayectoría hasta el momento pero no me referiré a lo que ocurra “después”, por ejemplo, Walt Disney es nominado durante las 8 primeras ediciones, redundaría si en cada una mencionó que en el futuro estaría nominado por cierta particular. De tal manera que de Walt Disney escribiré extensamente en esta edición, en cambio en la hipotética de 1936, sólo me referiré a lo que haya ocurrido entre 1935 a 1936.

La intención es explicar la vida del creador respecto a sus influencias, formación, medios de producción y cómo realiza el cortometraje, sin embargo y sobre todo con los cortometrajes de los años 30, la mayoría de información accesible es únicamente histórica. Los particulares acerca de la animación son escasos y en cortometrajes específicos es todavía menor, por ejemplo, en la presente edición de Disney profundizaré acerca de cómo surge la estructura de producción o quienes eran los animadores, más no encontré información de que animador se encargó de tal movimiento o los bocetos del cortometraje para entender la acción.

En la descripción de las nominadas, la última siempre será la ganadora. Para la mayoría es imposible determinar exactamente la razón de su victoria, por lo que sólo se brindará algún razonamiento para explicar por qué sucedió, tampoco es mi intención realizar de juez y afirmar que X merecía estar sobre Y. El propósito es, nuevamente, aprender sobre la historia de la animación a través de algunos cortometrajes, y por si no ha quedado claro, no realizaré mención alguna a los cortometrajes enviados a selección y que no fueron nominados.

El Oscar a Mejor Cortometraje Animado se entrega desde la edición número 5 de los premios en 1932, hasta 1970 su título fue “Mejor Corto, Cartoons”, entre 1971 - 1973 pasaría a “Mejor Corto, Película animada” y desde 1974 tiene el título con el que le conocemos. Siendo una de las categorías más antiguas e ininterrumpidas de la Academia.

El origen de la palabra “Cartoon” se remonta al italiano del 1600 [1] para referirse a los sketches, en los 1800 se asocia con la caricatura política y durante el comienzo del siglo XX se víncula con la animación, históricamente es atribuido a Winsor McCay [2], un historietista estadounidense (“a cartoonist”) muy reconocido por su trabajo con “Little Nemo in Slumberland”, una tira de prensa que alcanzó una gran popularidad por su creatividad y colores; más el genio de Winsor no se contentó con el cómic, se interesó por la animación.

En ese entonces, la animación todavía estaba en descubrimiento, los cortos existentes probaban las posibilidades acerca del movimiento, la fluidez, abstracción y su potencial narrativo o de encanto sean “The Enchanted Drawing (1900) ”, “Humorous Phases of Funny Faces (1906)” o “Fantasmagorie (1908)”. El punto de cambio sería la gran creación de McCay que dictaría la historia de la animación “Gertie the Dinosaur (1914)”, una obra muy reconocida entre el creciente grupo de artistas animadores y el público general, (presumiblemente) generalizando el término Cartoon por la asociación de ser una animación realizada por el “cartoonist” [3]. 

Fantasmagorie (1908)

La dinosauria Gertie se diferenciaba de los personajes de cortometrajes previos porque contaba con una marcada personalidad, es tímida y torpe, es decir, muy divertida y adorable. Conseguido a través de las expresiones, el peso y la interacción con su entorno, en conjunto se logra un realismo “Cartoon”, de ahí que pueda ser considerado como la principal inspiración para la edad dorada de la animación, especialmente para un joven Walt Disney [4].

Gertie the Dinosaur (1914)

Disney crecería y la animación profesional se consolidaría con él, me extenderé en unos párrafos sobre el tema, por ahora realicemos un paréntesis hasta 1932. Disney a sus 31 años es alguien muy reconocido en Hollywood, La Academia tienen una gran estima a sus esfuerzos como artista y empresario, al punto que al decidir incluir cortometraje como categoría, ese año también sería el comienzo del “Cortometraje Drama” y “Cortometraje Comedia”, es agregado (supuestamente) en su honor el “Cortometraje animado” [5].

Desde la edición número 46 en 1971, la Academia premia “el individuo más directamente responsable por el concepto y la ejecución creativa del cortometraje” [6], realizando una excepción de que si son considerados dos (como los numerosos casos que ha sido una pareja) se entregarán dos estatuillas, pero no serán entregadas más de dos. Lo importante de la aclaración está en “el individuo más directamente responsable” puesto que corresponde al animador, en vez de premiar al productor, tal como sucedía.

Por esta razón, Walt Disney es la persona más nominada y premiada no sólo de la categoría sino de toda la Academia, por ejemplo, en la edición de 1938, 4 de las 5 nominaciones son para Walt Disney. Si John Williams no lo supera en nominaciones, dudo que alguien más en lo que queda de historia de la humanidad sea capaz de conseguirlo, y en premiaciones todavía que menos.

Por supuesto, en las explicaciones de cada cortometraje se realizará la respectiva profundización sobre los animadores involucrados, como también en los directores y productores según se convenga en particular. 

Mickey's Orphan 

El 36º cortometraje de Mickey Mouse, el 12º publicado en 1931 y el último estrenado ese año el 5 de diciembre. Si bien se atribuye culturalmente a Steamboat Willie como la primera aparición del ratón en noviembre de 1928, es más preciso afirmar que es la primera aparición en ser distribuida, porque tanto en mayo como agosto de ese mismo año se habían animados dos cortometrajes con Mickey de protagonista junto a Minnie, Clarabelle Cow o Pete, los cortos “Plane Crazy” y “The Gallopin’ Gaucho”; los cuáles serían producidos más no distribuidos al no encontrar Disney a algún distribuidor interesado. El apunte de inspiración llegaría con la película que terminó una era en Hollywood para comenzar otra, The Jazz Singer. 

Disney estaba fascinado por la película, se decidió a producir un cortometraje con sonido completamente sincronizado con lo que sucedía, y sería un sonido realista [7]. Confiando en que sería la innovación que le conseguiría la distribución y reconocimiento, el rotundo éxito del cortometraje confirma su presentimiento, Steamboat Willie se volvería el Cartoon más popular del momento y hasta entonces, convirtiendo a Mickey Mouse y a Walt Disney como las figuras más importantes de la animación, siendo el símbolo y el artista.

Steamboat Willie (1928)

Steamboat Willie no es el primer cartoon con sonido, entre 1924 y 1927 se publicaron los cortos de “Song Car-Tunes” producidas por los hermanos Fleischer (de quienes hablaré en alguna futura entrega), 47 cortos de los cuáles 16 fueron producidos con Phonofilm [8], uno de los primeros sistemas de sonorización por medio de “Sonido en película”, referido al concepto de grabar sonido en la misma tira que contiene la película. En la actualidad seguimos realizando lo mismo en concepto pero con las nuevas técnicas desarrolladas durante los 70, en cambio, en los años 20 seguía siendo prueba y experimentación, el mismo Phonofilm dejaría de utilizarse en 1929.

Está serie de cortos consistía en diferentes canciones de la época que implementaron la “bouncing ball”, esa pelota que salta entre palabras para que el público pueda cantar junto a los personajes. Para su lástima, la calidad del Phonofilm estaba lejos de ser óptima, a veces se desincroniza y la reproducción en sí misma era volátil, estando a la par que otros experimentos sonoros del momento, de ahí que no haya generado especial impresión en su momento y que fuera prácticamente olvidado una vez Disney estrenará su corto.

Tramp, Tramp, Tramp (1924)

Otro corto con sonido es “Dinner Time” de Paul Terry y John Foster, estrenado un mes antes de Steamboat Willie. Y si bien tenía sonido sincronizado, fue agregado completamente en postproducción y diferentes segmentos de su animación provenían de cortos previos [9], es decir, no estuvo pensado desde el comienzo para ser un corto sonoro sincronizado. Curiosamente, en su búsqueda de algún estudio para la grabación de Steamboat Willie, Disney vió el cortometraje a modo de prueba de la capacidad de la RCA (el estudio dueño), del cuál Walt diría “... es una de las fábulas más podridas que creo que he visto nunca… Simplemente tenía una orquesta tocando y añadiendo algunos ruidos. La parte que habla no significa nada. Ni siquiera coincide” [10].

Dinner Time (1928)

Aún siendo una dura opinión, el tiempo le daría la razón. En la historia hay personas que están en el lugar correcto y tienen la visión que se requería, tanto que cuesta imaginar cómo hubiese transcurridos los hechos de no haber estado; aunque habían decenas de animadores en los años 20 y 30 con diferentes estilos y personalidades que merecen ser recordados y mencionados, no hay forma de separar la industria de la animación estadounidense (y mundial) de un joven de Chicago que llegaría a California a fundar su estudio el 16 de octubre de 1923, Disney Brothers Studio.

Walt Disney tenía 22 años cuando fundó con su hermano la compañía que tenía su nombre. Desde niño estuvo interesado en el dibujo, realizando caricaturas durante su época escolar [11] que le llevaría a sus primeros trabajos como ilustrador para publicidad. Tendría su contacto formal con la animación en la Kansas City Film Ad Company donde realizaba “animación de recortes” para publicidad de 1 minuto que se emitía en teatros [12].

Se interesa por la animación, realizando experimentos caseros, consultando con artistas e investigando, llega a la conclusión que realizar animaciones en papel semitransparente (Cel) es más eficiente que el método de recorte, sin embargo, sus superiores en Kansas City no estaban convencidos [13]. Con diferentes compañeros de la empresa y otros conocidos funda su propia compañía: ‘Laugh-O-Gram Studio’. De la cuál tenemos este cortometraje, el más antiguo atribuido a Walt Disney.

Newman Laugh-O-Grams (1921)

Si bien consiguieron realizar diversos cortometrajes estrenados en el cine local, no recuperaron el coste de producción por lo que el estudio se irá a la bancarrota, otra razón para el viaje de Walt a Hollywood. Disney llega a California más interesado en ser director tradicional, utilizando un corto de acción real y animación basado en Alicia en el País de las Maravillas que fue el último trabajo del Laugh estudio, como carta de presentación [14]. La distribuidora Margaret Winkler era una de las mujeres más poderosas de la industria cinematográfica por su control de las licencias animadas ampliamente reconocidas en ese entonces, Out of the Inkwell de los Fleischer y el Gato Félix de los estudios Sullivan, más se encontraba en un dilema, pronto se quedaría sin ambas, necesitaba una nueva licencia y la idea de acción real junto a animación ambientado en un cuento clásico parecía una propuesta lo suficientemente atractiva para darle una oportunidad [15].

Disney Brothers Studio es fundado para la producción de “Alice Comedies” [16], Disney produce y dirige los 56 cortometrajes de la serie desde 1924 - 1927. En 1926 Margaret se retiraría dejando la administración de las licencias a su marido, Charles B. Mintz, cuya relación con Walt era tensa, Mintz como productor redujo los pagos por corto producido y Disney ya estaba cansando de producir uno cada 2 semanas, ni tampoco quería seguir con un formato mixto, quería realizar una serie de sólo animación [17].

Alice's Day at Sea (1924)

Mintz también tenía la intención de avanzar hacia otra serie y Universal Pictures les realizó una oferta para la distribución, así nació “Oswald the Lucky Rabbit”. La serie de cortometrajes comienza con “Trolley Troubles” en 1927, tiene éxito y se programa el estreno de un cortometraje cada 2 semanas, Oswald se convierte en el primer personaje de Disney en tener merchandising [18]. Una vez se acerca la finalización del contrato en 1928, Walt decide renegociar los términos con Mintz para un mayor presupuesto pero Charles quiere precisamente lo contrario, acortar el presupuesto; además se ha enterado que los derechos del conejo están con Universal y que varios de sus animadores han firmado renovación del contrato, dando por terminada su relación con Mintz [19].

Trolley Troubles (1927)

Para compensar la creación del conejo debía crear un nuevo personaje, siendo el origen de Mickey Mouse, Ub Iwerks, un amigo animador de Walt desde Kansas City, le daría los toques finales al diseño conceptual de Walt, mientras que el mismo Disney sería la voz del ratón hasta 1947 [20]. De ahí al punto que ya conocemos acerca de la producción del primer par de cortometrajes no distribuidos, hasta que el tercero con Mickey encima de un bote, cambiaría la historia de la animación y daría el comienzo de un imperio.

Primeros Bocetos conocidos de Mickey Mouse

Disney Productions tendría dos series de cortometrajes, Silly Symphony y Mickey Mouse. Los primeros no tenían personajes recurrentes, contrario a los segundos en el que cada se “construía” el mundo de Mickey. En 1929 se estrena 12 cortos de Mickey Mouse, destacando “The Karnival Kid” la primera vez que hablo y “Wild Waves”, el último cortometraje en el que participó Ub Iwerks antes de fundar su propio estudio “Iwerks Studio” [21].

En 1930 estrenaría 9 cortometrajes, entre ellos “The Cactus Kid”, la primera vez que Minnie habla y “The Shinding” la primera mención del nombre de Clarabelle. Y como se mencionó al comienzo, para 1931 se estrenan 12 cortometrajes, correspondiendo el último a “Mickey’s Orphan”. Las películas calificables para los 5tos premios de la Academia debían estar estrenadas entre el 1 de agosto de 1931 y 31 de julio de 1932, es decir, 13 cortometrajes de Mickey Mouse son seleccionables ¿Había una razón en específico para nominar a Mickey’s Orphan?

Lo siguiente es una teoría únicamente mía sustentada en mi limitado entendimiento del tema.

Dada la fama que tenía Disney y Mickey, es entendible que si iba a haber una categoría premiando el formato en el que ambos se destacaban, debía existir por lo menos una nominación del ratón. Y para seleccionar específicamente al mencionado, puede que se deba a su carácter festivo, porque es el primer especial navideño del personaje, aunque el segundo elaborado por Walt; en 1927 con Oswald estrenó el corto “Empty Socks” [22], del que se notan un par de similitudes como el protagonista disfrazado de Santa Claus para la entrega de regalos y los niños huérfanos realizando el caos con los juguetes que les obsequian.

Empty Socks (1927)

En el corto participan 10 animadores [23], y el director es Burt Gillet, contratado en el viaje de Disney a New York en 1929, cuyo propósito era la búsqueda de animadores con experiencia y Gillet tenía una década de experiencia animando [24]. Al regresar a Los Ángeles su rol sería de director, estando al cargo de los cortometrajes de Mickey mientras que Iwerks se encargaría de las Silly Symphonies, división que duró poco tiempo dada la eventual salida de Ub de la compañía.

En sí, su rol como director fue consolidándose con el tiempo, al comienzo Disney tenía un control absoluto sobre los cortometrajes, reprendiendo a directores o animadores en frente de los demás o teniendo la última palabra sobre cómo debería ser una escena o secuencia, más con el tiempo dejaría de tener tanto ese nivel de control, principalmente porque se estaba ocupando con la producción de los diferentes productos de Disney.

El viaje para la contratación de veteranos también sirvió a la consolidación estructural de la compañía, previamente las tareas se dividían a conveniencia más poco a poco fueron siendo distribuidas acorde a roles específicos, Carlos Manriquez, quien también se considera el primer artista latino en Disney, sería el primer encargado de pintar los fondos en 1929 [25], los veteranos supervisan el trabajo de novatos además de animar las secuencias clave, y el fomentar un ambiente para que los nuevos animadores estuvieran motivados a seguir mejorando.

A comienzos de la década de los 30 ingresaría a la compañía Weeb Smith, quien estaría en el cargo de escritor, hasta entonces la creación de cortos se realizaba con una reunión entre Walt y sus principales animadores, donde Disney diría sus ideas y entre todos elaboran la historia, secuencia o gags, realizando sketches de momentos particulares y después procedían con la animación [26]. Al ingreso de Smith, el orden sería primero reunirse con Walt para cimentar la idea general de la historia, entonces Weeb decidió elaborar una historieta sobre toda la historia de principio a fin para que Disney juzgará, la pegaron en una pared dando inicio al “Storyboard” [27].

Si bien diferentes prácticas ya existían en la industria de la animación, Walt consiguió una línea de producción eficaz, con espacio para la creatividad a la vez que estaban cobijadas a la identidad que estaba construyendo la compañía. De ahí que su modelo de producción y visión acerca de la animación se convertirían en la referencia para las nuevas productoras animadas e incluso entre su competencia.

Entre los animadores acreditados del cortometraje se destaca a Norm Ferguson, David Hand, Jack King, Dick Lundy, Hamilton Luske y Ben Sharpsteen, mencionados porque serán relevantes en alguna posterior entrega de esta serie de escritos. No pude encontrar información concreta acerca de quién estuvo encargado de cuál secuencia particular del cortometraje, así que sólo puedo mencionar apuntes generales de interés.

Norm es considerado el principal creador de Pluto, el fiel perro de Mickey, al haber estado encargado de su animación y darle su característica personalidad [28]. David Hand era un animador con experiencia quien trabajó con los hermanos Fleischer y sería reclutado en el viaje de Disney por talento experimentado [29] mientras que Dick Lundy se encargaría de las secuencias de coreografía sea en los cortos de Silly o Mickey [30].

El cortometraje no difiere de sus contemporáneos aparte de la temática navideña, tiene el enfoque de comedia física característica de los primeros cortometrajes, está la inclusión de la participación de los personajes en la tonada musical que si bien ya conocida en ese entonces, me sigue pareciendo admirable dado lo imperceptible del cambio por lo orgánico de la acción, particularmente en el piano, la trompeta de Minnie y los niños con tambores o platillos.

Mickey's Orphan

Por la gran cantidad de mininos huérfanos se llena completo la escena de sus travesuras, sucediendo varias acciones al mismo tiempo, y cuándo se coordinan con la música dejan especial impresión, siendo ellos los protagonistas mientras que Mickey es el objetivo de la chanza. La personalidad del ratón aún estaba en consolidación, aquí demuestra interés a la par que ingenuidad, similar al corto de Oswald de inspiración.

It's Got Me Again!

Estrenado el 14 de mayo de 1932, es el 32° cortometraje animado de Warner Bros, el 10° estrenado en ese año y la 11ª Merrie Melodie. Para entonces los directores de todos los cortometrajes son Hugh Harman y Rudolf Ising, quienes a su vez los producirían junto a Leon Schlesinger. A la cúpula de Warner sólo le interesa tener cortometrajes para enfrentarse a Disney o los Fleischer, así que a efectos prácticos, Leon es el encargado de supervisar el trabajo de Harman e Ising [31].

Este par de animadores no son extraños en este relato sobre la conformación de la industria animada. Regresemos a 1928 cuando un traicionado Walt Disney decide abandonar a Mintz para emprender su propia serie animada, entre los animadores de su equipo que no le siguieron se encontraba este par, Harman e Ising [32]. Dada su experiencia, habiendo estado junto a Walt desde la creación de Laugh-O-Gram, se volverían de los principales directores y animadores en el formado “Wrinkler Studios”, los encargados de las nuevas aventuras del conejo Oswald, sin embargo, las prácticas empresariales de Charles no cambiarían, y esto también cansaría al dúo.

Se dirigieron a Carl Laemmle, el fundador de Universal Studios, para convencerlo de despedir a Mintz y dejarles a cargo de toda la operación, Carl les correspondió pero cansado de todas las peleas internas decide que, de ahora en adelante, la producción de Oswald estaría completamente bajo Universal, por lo tanto también despide al dúo y en su lugar, Walter Lantz queda completamente al cargo [33].

Harman, Ising y otros animadores quienes también renunciaron, fundaron su propio estudio “Herman-Ising productions” y crearon su primer cortometraje “Bosko, the Talk-Ink Kid” para presentar a diferentes distribuidores. Más no encontraron fácilmente a algún interesado, los grandes estudios ya estaban en contacto con diferentes animadores para su propia serie de cortometrajes capaz de emular el éxito de Disney con Mickey Mouse, hasta que el mencionado Leon, quien entonces dirigía una empresa de Artwork para películas, se interesó.

Bosko, the Talk-Ink Kid (1929)

Leon Schlesinger es un empresario de éxito, fue uno de los productores de Jazz Singer que había convertido a Warner en el estudio pionero de la nueva era, ese apoyo consiguió entablar una una buena relación con los hermanos. Una posición ideal para proponer la división animada que aún faltaba en Warner; se pactaron condiciones, firman contratos y comienzan los cortometrajes llamados “Looney Tunes” [34].

Entre los requerimientos de Warner es utilizar por cortometraje una canción perteneciente al estudio para evitar pago de licencias a su vez que prolongaba la fama de la misma o servir de publicidad para alguna película. Con el pasar de los meses consolida a Warner entre los estudios con una producción animada constante y de calidad, más estaba lejos de posicionarse contra similares sea Oswald, Félix ni mucho menos Mickey, factiblemente por la personalidad no definida de Bosko y su poco interés como personaje frente a cualquier otro de la competencia. El dúo era consciente de esto, así que desarrollaron a Foxy [35], de no ser que si observas cualquier corto notarás inmediatamente la inspiración demasiado “inspirada” (incluyendo cierto perro que también te resultará familiar).

One More Time (1931)

De todas formas Warner Bros estaba encantado con el resultado, aprobaron más Cartoons para una nueva serie de cortometrajes, las llamarían “Merrie Melodies”. Dado el creciente tamaño del estudio y de la carga operativa, el dúo decide dividirse las tareas. Harman dirige y produce los Looney Tunes, mientras que Ising está a cargo de las Merrie Melodies.

La principal diferencia entre ambas es el protagonismo de Bosko en los Looney Tunes mientras que en las Merrie la recurrencia no era la prioridad, tampoco el gag o creatividad, sino la promoción de las canciones de Warner tal como estipulaba el contrato. Sin embargo, pese a que no era la prioridad, dado que la condición del contrato era bastante vaga, teóricamente si podía permitirse creatividad y experimentación para volver todavía más atractiva a la canción, únicamente dependía del compromiso que tuviesen.

La relación de Harman e Ising con Disney es “irregular”, aún habiendo trabajado juntos prácticamente desde el comienzo, estos no le acompañaron después de Mintz porque Harman consideraba a Disney como un jefe “abrasador” [36], sin embargo, en la producción de los cortometrajes y en palabras de sus animadores debían “realiza exactamente la misma cosa” [37] al referirse a diferentes gags de Mickey Mouse que quería ver en los cortos de Bosko.

Las Merrie Melodies tampoco escapaban de la “limitación”, en el comienzo diferentes cortometrajes rememoran a acciones realizadas por Bosko en los Looney Tunes, el único cambio es que son realizadas por “Foxy”. En el cuarto cortometraje se introducen a Piggy y su novia Fluffy, nuevamente una pareja que puede resultar un tanto “familiar”, el próximo cortometraje sería Hittin’ the Trail For Hallelujah Land, posteriormente censurado.

You Don't Know What You're Doin' (1931)

A partir de entonces los cortometrajes serían más variados en su intención y aparición de personajes, habiendo quienes únicamente estarían en ese cortometraje y otros con más personalidad y rasgos distintivos esperando esperando que se convirtieran en símbolos como es el caso de Goopy en Goopy Gear. Y finalmente, llegamos al estreno de “It Got Me Again”.

Como se ha mencionado, es una Merrie Melodie, es decir está dirigida por Ising, sus animadores acreditados son Friz Freleng y Thomas McKimson. Si bien el título es referencia a la canción homónima, no parece haber tenido un lanzamiento comercial, correspondiendo a que Warner ya estaba dejando de obligar a la presentación por cortometraje de una canción en particular [38], así que a toda vista, fue prácticamente sólo utilizada para el corto.

Nuevamente, ni Friz o Thomas son ajenos a este relato, siempre volvemos a Disney. Freleng comenzó a trabajar en la animación en el recién formado Disney Bros Studios para la serie de Alice Comedies y posteriormente en los cortometrajes de Oswald, sin embargo, a diferencia de Herman quien “traiciona” a Disney o Ising quien había sido despedido por Walt, la despedida llegó por parte de Freleng quien renunció en 1928 por haberse cansado del “abuso y acoso” de Walt Disney [39].

Participa en la creación de Bosko en el recién formado “Harman and Ising Productions” y una vez se estableció el contrato con Leon para Warner Bros se termina de instaurar en el estudio como animador, y como el más importante del equipo [40]. Para entonces sería el “segundo director al mando”, un actual equivalente corresponde a “director de animación”. Es la 21ª animación en la que participaba.

El primer trabajo en la industria de Thomas McKinson fue, como no, en Disney Brothers Studios, formando parte de los jóvenes que actuaban como asistentes de animadores veteranos, en el mismo rol se encontraba su hermano Bob quien también estaba en Disney. Ambos abandonan la compañía y realizan diferentes trabajos en empresas menores por un par de años hasta que en 1932 ingresan a “Harman and Ising Productions” [41]. “It 's Got Me Again!” es la primera animación acreditada de Tom en el estudio.

Un grupo de ratones juegan con los instrumentos musicales mientras está lloviendo, habiendo la típica integración entre la canción y acción de sus personajes, varios califican a sus ratones “muy parecidos a Mickey Mouse” pero como si fuera un tipo específico de paradolia, posiblemente se deba a que cualquier ratón de esa época se le parece en cierta medida. La fiesta continúa hasta ser perseguidos por un gato, que espantarán de la casa.

Cortometraje sencillo con propósito cómico sustentado en su comedia “física”, su elemento más interesante es el aterrador diseño del gato quien consigue asustar al ratoncito al encerrarlo a una esquina mientras esté responde en rima, o la pequeña danza encima del piano aprovechando las escalas para enlazarlo orgánicamente con la música.

It's Got Me Again (1931)

Las interacciones con el entorno de la casa, especialmente los instrumentos, es familiar en los cortometrajes de la época aunque no deja de tener ese “encanto práctico”, cómo utilizar el arpa de arco improvisado o el pequeño número de baile alrededor del vinilo. En últimas es algo sorprendente que de todos los cortometrajes “Herman-Ising” se hayan decantado por este, haber sido nominado es su único mérito histórico.

Flowers and Tress

Estrenada el 30 de Julio de 1932, es el 29° cortometraje de la serie “Silly Symphony” del estudio Disney. Su victoria en los Oscar se puede atribuir a diferentes razones, como ser el cortometraje más creativo en término de personajes y en sus acciones realizadas de las nominadas, aunque el principal mérito es evidente, la llegada del color al cine.

Nuevamente es necesario realizar el correspondiente detallado, no, no es la primera película en color, ni mucho menos. Famosos son los cortometrajes de George Mélies como “Viaje a través de lo imposible” en los cuáles coloreaba fotograma a fotograma, aunque dada la creciente duración de las películas es una técnica más considerable experimental que de producción. Surgieron diferentes métodos e ideas en el transcurso de 1900 a 1915 sean el esténcil, teñido, toning o el proceso “Handschiegl”; englobando una etapa de prueba y ensayo parecido a la que tuvo el sonido, hasta que, similar como a la mencionada carrera del sonido, surgiría un método que acapara la atención para convertirse en la normativa, el Technicolor.

Presentado por primera vez en 1916 surge en el contexto del decaimiento del Kinemacolor, previamente el sistema más utilizado. Tuvo diferentes cambios en su funcionamiento entre 1916 a 1932, pasando del proceso Two Color [42] al Three-Strip. Consistía en que la toma se divide entre 3 tiras de colores rojo, azul y verde que serían proyectadas al mismo tiempo [43] [44]. Herbert Kalmus, creador de esta tecnología, necesitaba una demostración profesional que convenciera a Hollywood de la adopción de su invención, y en ese punto entra Walt.

Previo a embarcarnos en el experimento de Disney, respecto a los cortometrajes animados a color el merecimiento de la medalla de “primero”, está sujeto a los detalles considerados. Flowers and Trees (1932) es el primer cortometraje a color utilizando Technicolor, "Fiddlesticks" (1930) de Ub Iwerks, el excompañero de Disney quién fue fundamental para la creación y establecimiento de Mickey Mouse, es el primer cortometraje en utilizar el Two Color, el sistema previo, de no ser que meses antes para la película "King of Jazz" se incluye un segmento animado, también en Two Color. Y una década atrás estuvo “The Debut of Thomas Cat” (1920) que utilizó el sistema “Brewster”, sin embargo, cayo en el olvido porque el proceso fue considerado demasiado costoso para ser rentable [45], actualmente se encuentra perdido.

Fiddlesticks (1930)

In Gollywood Land (1912) y  Comedy Revue (1919) son otros par de cortometrajes perdidos en el tiempo con algunas fuentes citandolos como los primero a color [46]. Y a falta de una definición consistente hasta “Katsudō Shashin” (1907) [47] o "Little Nemo" (1911) podrían calificarse de primeros. Por ende, Flower and Trees no se le puede calificar de “primer cortometraje animado a color”, más similar a Steambot Willie, si es el que realiza el impacto para cambiar el transcurso de la industria, y no sólo la animada.

Little Nemo (1911)

La idea de las Silly Symphonies es de Carl Stalling, el músico encargado de las bandas sonoras, serían animaciones más guiadas por la música que en una narrativa. Walt le gustó la idea porque le permitía una libertad creativa y de experimentación, no debía sostenerse únicamente sobre gags como sucedía con los cortometrajes de Mickey Mouse, sino en bailes excéntricos e ideas sobre animación y movimiento, así empezó la producción del primer cortometraje “The Skeleton Dance” (1929) [48].

The Skeleton Dance (1929)

Al buen recibimiento del cortometraje es establecida la serie, en el próximo par de años habría publicaciones regulares, aún con la salida de Stalling e Iwerks del estudio, con cortometrajes que serían bastante famosos entre público y crítica sean "Autumn" (1930), "Mother Goose Melodies" (1931) o "The Ugly Duckling" (1931). Sin embargo, no conseguían la misma popularidad que los cortometrajes de Mickey Mouse [49] y su producción solía ser más costosa; en ese punto el equipo de Technicolor se acerca a Disney para ofrecerle la tecnología, Walt como conocedor de prácticamente cualquier Cartoon producido en Estados Unidos, sabía de los experimentos a color que estaban sucediendo en el resto de estudios, tenía la visión de que el futuro estaba en el color, decidiendo firmar el contrato con Technicolor por 3 años [50].

El ofrecimiento por parte de Technicolor estaba basado en el nuevo método “Three Strip”, un método costoso y arriesgado por ser innovador. Parte de la leyenda es que una vez completado el cortometraje en la habitual escala de grises, Walt desecha la animación a favor de rehacerla completamente a color, sin embargo, según el contrato, estaba previamente estipulada la producción del cortometraje a color [49]. Fueron otros 3 meses de extenuante trabajo para los animadores.

El cortometraje está dirigido por Burt Giller a quién conocimos en los cortometrajes de Mickey Mouse, sus animadores acreditados son David Hand, Les Clark y Tom Palmer, del primero profundice en la primera sección. Les Clark es animador para Disney desde los tiempos de Alice Comedies, lo sigue en la producción de Mickey Mouse y una vez la salida de Iwerks queda a cargo de la animación principal del ratón [51], teniendo participación esporádicas en las Sillies, siendo calificable como uno de los animadores más importantes del estudio y a posterior se convertiría en el primer miembro de “Los nueve viejos”, una historia para otra ocasión.

Tom Palmer trabajó para Disney durante los diferentes cortometrajes de Oswald, y continúa cuándo Walt funda su estudio, es participante en diferentes animaciones de Mickey y las Sillies. Particularmente recordado por la sugerencia en utilizar “test de lápiz”, una proyección utilizando una manivela de los bocetos realizados por el animador [52].

Para el momento de su emisión sólo su presentación y acción fue suficiente para capturar a los espectadores, no necesitaba mensaje o reflexión, sólo es una anécdota como solía ser lo común, pero con una creatividad y técnica inesperados, aún si venían de “los mejores”. Porque la producción visionada por Walt no estaba sencillamente en la incorporación de color, debía ser la “correcta” aplicación del mismo, aprovechando el potencial de la tecnología Technicolor consiguieron la mejor demostración que podía esperar el equipo de Kalmus.

Los árboles protagónicos tienen diferentes colores para asemejar al sombreado y están sujetos a la iluminación, sea el sol y a posterior las llamas, y no sólo su corteza, también se incluyen las hojas y recovecos. Cuándo la mujer árbol se refleja en el agua, la imagen sobre el agua tiene tonos más claros correspondiendo al acto de reflexión. Conforme el fuego aumenta en intensidad presenta otra tonalidad para representar la viveza de las llamas, o las diferencias en los tonos utilizados de los troncos protagonistas acentuando la intencionalidad del diseño, sea el tronco gris y viejo contrastando al café brillante del joven árbol.

Flower and Trees (1932)

El antropomorfismo de los árboles y flores presente desde los primeros segundos cuándo despiertan de su sueño, estirando sus hojas a símil de brazos, lavándose la cara, o la chica árbol en su acto de rocío mañanero, acompañada del árbol joven utilizando unas flores a modo de arpa. Lo último directamente relacionado a la música, la marca característica de entonces, constante en todo el corto cambiando entre los diferentes tramos conforme a la intención, sean la calmada melodía del comienzo acompañando la rutina de flores y árboles, tensa en la pelea de ambos árboles hombres o mientras se esparcía el incendio, y la tonalidad de boda con flores semejantes a campanas junto a otras que bailan alegremente alrededor de la pareja.

Me resulta de admiración los segundos dedicados a la lluvia, la transición entre las múltiples gotas y la generación de humo conforme se apaga el fuego, unos segundos que podrían resultar comunes a término actuales, más para entonces debía ser toda una proeza artística y técnica, especialmente dado a la naturalidad de la lluvia, conseguida por la ubicación de las gotas en diferentes planos de profundidad para conseguir el efecto.

Colofón

En los primeros años de los premios de la Academia, los ganadores eran notificados semanas antes de la ceremonia para que estuvieran preparados sus discursos y declaraciones con la prensa. De ahí que Disney estaba avisado de que recibiría su primer Oscar, en ese lapso de tiempo preparó (o bueno, mandó a preparar) un cortometraje en celebración de su victoria y por la ceremonia. “Parade of the Awards Nominees” es el primer cortometraje a color de Mickey Mouse, aunque está separado del universo de Mickey por ser meramente una celebración simbólica, estando acompañado por los otros actores y actrices nominados y premiados durante la celebración [5].

Parade of the Awards Nominees (1932)

Sin embargo, Disney no se llevaría un Oscar, tendría dos, siendo la primera persona en la historia en tener dos premios en una misma ceremonia. Su segundo Oscar es “meritorio” por la creación de Mickey Mouse, a su vez es la segunda persona premiada en esa categoría particular, el primero fue Charles Chaplin, quien iba a entregarle el premio a Walt, pero ese día no pudo asistir.

Walt Disney en la Premiación de 1932

Ver más

Varios de los segmentos descritos en este artículo fueron simplificados en favor de evitar redundar donde ya estaba redundando, por ende si quieres profundizar recomiendo leer los libros y artículos enumerados en las referencias, o si prefieres puedes ver estos diferentes ensayos-reportajes que me tope durante la producción de este escrito. Consultando la referencia de cada uno, utilizan las mismas fuentes que he utilizado (obtenidas, la mayoría, de la bibliografía en Wikipedia).

• A Needlessly Exhaustive History of Oswald the Lucky Rabbit (enlace)
  
• A Needlessly Exhaustive History of the Creation of Mickey Mouse (enlace)
• The Story of Bosko, the First Looney Tune (enlace)
  

Un factor que no he conseguido incluir en este artículo y me resulta molesto a su manera, es la omisión de en sí cómo se realizaban los diferentes dibujos en términos más específicos, pese a que consulte diferentes fuentes no encontré el material directo que me hubiera gustado. Para compensar en algo, comparto este documental de Disney publicado a finales de los 30, rompe las normas impuestas al comienzo del escrito más sólo quiero que sepas, por el mismo estudio, cómo se realizaba la producción.

• How Walt Disney Cartoons are made (enlace)
  

Referencias (Algunos libros se encuentran en Internet Archive y necesitas estar registrado para "alquilar el material")

1. The Etymology of "Cartoon" (enlace)
2. The Cutting-Edge Cartoons of Winsor McCay (enlace)
3.  Winsor McCay American animator (enlace)
4. Winsor McCay Retrospective – Part 1 (enlace)
5. Disney Academy Award Stories – Part One (enlace)
6. 91st Academy Awards Special Rules for the Short Film Awards (enlace)
7. Steamboat Willie (enlace)
8. Song Car-Tunes 1924 - 1927 (enlace)
9. History of Animation: The Golden Age (enlace)
10. Walt Disney Page 10 (enlace)
11. About Walt Disney (enlace)
12. Walt Disney Page 7 (enlace)
13. Walt Disney: The Triumph of American Imagination (enlace) - Pág 56
14.  The Illusion Of Life Disney Animation (enlace) - Pág 28
15. The Animated Man: A Life of Walt Disney (enlace) - Pág 37
16.  About the Walt Disney Company (enlace)
17. Alice Hits the Skids (enlace)
18. Merchandise Growth History Oswald the Rabbit (enlace)
19. Could Oswald the Lucky Rabbit have been bigger than Mickey? (enlace)
20. A Brief History of Mickey Mouse (enlace)
21. Walt Disney: The Triumph of American Imagination (enlace) - Pág 143
22. Mickey Mouse Christmas Cartoons (enlace) 
23. Mickey's Orphans (1931)- Full Cast & Crew (enlace)
24. The Animated Man: A Life of Walt Disney (enlace) - Pág 72
25. Disney's First Latino Artist at the Hilbert (enlace) 
26. The Animated Man: A Life of Walt Disney (enlace) - Pág 73
27. The Animated Man: A Life of Walt Disney (enlace) - Pág 92
28. Norm Ferguson -D23 (enlace) 
29. Interviews David Hand (enlace)
30. A Letter from Dick Lundy (enlace)
31. Looney Tunes 1931 - A Good Year, Indeed! (enlace)
32. Biography: Rudy Ising (enlace)
33. The History of Oswald the Lucky Rabbit, Part Two (enlace)
34. Of Mice and Magic: A History of American Animated Cartoons (enlace) - Pág 220
35. Of Mice and Magic: A History of American Animated Cartoons (enlace) - Pág 221
36. Interviews Hugh Harman (enlace)
    
37. Of Mice and Magic: A History of American Animated Cartoons (enlace) - Pág 224
38. Songs From The 1932 Merrie Melodies (enlace)
39. Holllywood Cartoon: American Animation in its Golden Age (enlace) - Pág 46
40. Friz Freleng at Reg Hartt's Cineforum, Toronto, Canada, 1980 (enlace)
41. Moonlight Animators in Comic: Tom McKimson (enlace)
42. The Two Color Process - Technicolor 100 (enlace)
43. The "Tech" Behind Technicolor: The Advent of Classic Color Films (enlace)
44. How Three-strip Technicolor Worked (enlace)
45. Animated Films Part 1 (enlace)
46. The Long Lost First Animated Film (enlace)
47. Japanese color animation 1907 to 1945 - Part 2 (enlace)
48. Walt Disney's Silly Symphonies: A Companion to the Clasic Cartoon Series (enlace) - Pág 5-6
49. Disney and Early Technicolor (enlace)
50. Of Mice and Magic: A History of American Animated Cartoons (enlace) - Pág 39
51. The Nine Old Men Lessons, Techniques and Inspiration from Disney's Great Animator (enlace) - Pág 16 
52. Interviews David Hand (enlace)